http://www.construccion-manualidades.com/2013/08/instrumentos-musicales-con-material.html
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NOTAS SOBRE LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO
LA MÚSICA EN EL ROMANTICISMO.
– INTRODUCCIÓN.
El romanticismo se extiende desde 1815 hasta casi la primera década del siglo XX. Entre sus características generales podemos citar: Exaltación de la libertad, de los ideales. Predominio del sentimiento por encima de la razón. Individualismo del artista: utiliza el arte para expresar sus ideas, sentimientos y emociones personales, rechazando cualquier imposición externa. Fascinación por lo exótico, lejano, mágico, irreal. En la literatura y la pintura se pueden encontrar numerosas referencias a lugares exóticos o maravillosos, seres fantásticos, la naturaleza misteriosa, antiguas leyendas, etc. Nace el gran público musical constituido por la burguesía y con él una nueva esclavitud para el artista: la de los gustos del público. El compositor ha dejado de ser un criado asalariado de un noble que escribe la música que le encargan y ahora vive de los derechos de autor sobre la edición de sus partituras, de un porcentaje sobre la venta de entradas para sus conciertos, de la enseñanza o de su labor como director de orquesta o intérprete solista. A partir de este momento el compositor se plantea un conflicto que aún hoy está vigente: hacer la música que a él le gusta o hacer la música que prefiere el público y que es la que le da de comer.
1.- LA MÚSICA EN EL ROMANTICISMO.
La música en este periodo es la más valorada de entre todas las artes: al ser la más abstracta e intangible de las artes puede llegar a regiones del alma humana dónde no pueden hacerlo ni las palabras ni las imágenes. El compositor romántico abandona la rigidez del clasicismo para buscar una expresión más directa y apasionada de sentimientos y emociones individuales. Para ello el compositor romántico dispone de nuevos recursos musicales: Gran riqueza de matices: uso constante del crescendo y diminuendo, junto con espectaculares contrastes entre fortísimo y pianissimo. Gusto por el virtuosismo y los alardes técnicos. Empleo muy flexible del movimiento: la pulsación abandona su regularidad muy frecuentemente a lo largo de la pieza con pequeños acelerando y ritardando, que provocan una sensación como de vaivén. Uso de melodías bellas y apasionadas. Con mucha frecuencia tienen un nuevo sabor pues incorporan giros melódicos procedentes de la música tradicional. Aumento de las posibilidades tímbricas: la orquesta prácticamente dobla el número de instrumentos con respecto al periodo anterior. Se siguen empleando las grandes formas instrumentales del clasicismo (sonata, sinfonía, concierto) pero ahora son más extensas y se aplican de una forma mucho más libre ya que la inspiración e imaginación románticas desbordan claramente sus límites. Al mismo tiempo surgen toda una serie de pequeñas formas (lied, pequeñas formas para piano, etc.) que muestran una cara más íntima, recogida y sentimental de la música romántica.
2.- LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO.
a) La música orquestal. La orquesta romántica crece en tamaño y extensión. Una orquesta romántica está compuesta por unos 95 músicos. En la sección de viento se añaden instrumentos como: el piccolo, la tuba, el contrafagot, el clarinete bajo, el corno inglés y el saxofón. En la sección de percusión ahora hay cuatro timbales y se incorporan el gong, el bombo, la celesta, la marimba. Para salvaguardar el equilibrio sonoro se llega a duplicar el número de instrumentos de cuerda. Un número tan grande de instrumentistas exige la aparición de la figura del director de orquesta cuya labor consiste en unificar la interpretación de la partitura.
Casi todos los músicos de este periodo escriben música para orquesta: conciertos y sinfonías que, gracias a la música programática, permiten dar rienda suelta a la creatividad y fantasía de un compositor romántico que ya no está encorsetado por la rigidez de las formas heredadas del clasicismo. La música programática es un tipo de música sinfónica que sigue un programa literario o artístico que inspira la obra. Su forma más importante será el poema sinfónico: composición orquestal en un solo movimiento, inspirada en elementos literarios o pictóricos. Importantes compositores de música orquestal: L. V. Beethoven (1770-1827): compone nueve sinfonías apreciándose signos románticos a partir de la tercera. F. Schubert (1797-1828), F. Mendelssohn (1809-1847), R. Schumann (1810-1856). H. Berlioz (1803-1869): creador de la sinfonía programática. F. Liszt (1811-1886): compositor de importantes poemas sinfónicos, J. Brahms (1833-1897). b) Música para piano. Durante ésta época el piano gozará de importantes perfeccionamientos que posibilitarán el virtuosismo y los contrastes acentuados en la sonoridad, imprescindibles para la expresión del mundo interior del compositor romántico. En la música para piano destacan una enorme variedad de pequeñas formas todas ellas caracterizadas por estar poco supeditadas a fórmulas preestablecidas. Esta libertad en cuanto a la forma permite al músico expresarse con total libertad, siguiendo únicamente su inspiración. Entre estas formas podemos citar: nocturnos, impromptu, estudios, baladas, polonesas, mazurcas, polcas, etc. Importantes compositores de esta música pianística son: F. Chopin (1810-1849), R. Schumann, y F. Liszt.
Trabajo de investigación «La música en el siglo XIX»
Aquí os dejo algunos links para el proyecto de la música del siglo XIX.
THEREMIN. EL INSTRUMENTO INTOCABLE
Exposición en la Fundación Telefónica que recorre la vida del científico ruso Lev Sergeyevich Termen y de sus inventos, centrándose en la invención del fascinante theremin.
El físico y músico Lev Sergeyevich Termen (1886-1993), conocido en occidente como Leon Theremin, inventó el aetherophone en 1919. Este invento, que cambió su nombre por el de su creador y se conoce popularmente como theremin, se considera el primer instrumento electrónico de la historia. Esta exposición recorre la vida del científico ruso y de sus inventos, pero se centra en la invención del theremin.
¿Qué es percusión corporal?
La percusión corporal consisten en utilizar el cuerpo como instrumento rítmico, acústico, tímbrico y dinámico para lo que hemos de mantenerlo relajado, sobre todo las extremidades que percuten.
Los objetivos fundamentales que se persiguen con la introducción de las percusiones corporales pueden resumirse en los siguientes:
1. Fundamentar la formación rítmica elemental en la escuela e iniciar en la comprensión de los demás elementos del lenguaje musical (melodía-altura, armonía, texturas, dinámica-intensidad, timbre…). Ejercicios como sustituir alturas de una canción por instrumentos corporales (Ej. Campanita), aprendizaje de fórmulas rítmicas sencillas, práctica de cánones, intensidades… son idóneos para lograr dicho fin.
2. Sensibilizar el cuerpo y localizar las partes de éste de acuerdo a la relación espacio-temporal.
3. Al utilizar estos instrumentos podemos lograr buenos resultados practicando ejercicios de eco, ostinatos sencillos para acompañar rimas y refranes, trabalenguas, canciones de corro, cánones, pequeñas formas, audición activa con percusión corporal, y también crear nuestras propias creaciones e improvisaciones
4. Coordinar el movimiento y desarrollar las actividades motrices fundamentales
5. Fomentar el trabajo en grupo
6. Desarrollar la capacidad de concentración
De agudo a grave y de arriba hacia abajo en el eje corporal, detallamos a continuación los instrumentos más empleados, sistematizados por Carl Orff en su Orff Schulwerk:
– Pitos o chasquidos: Se pueden realizar con dedos (manos juntas o alternadas) pero debido a la dificultad que presenta en las edades tempranas se sustituye con el “chasquido de boca”.
– Palmas: Se pueden dar a diferente altura en relación con el cuerpo (arriba de la cabeza, del pecho, entre las piernas, en los pies, a un lado y al otro, y eventualmente atrás del cuerpo). Los efectos más usuales, según Rivas García son los siguientes: sonido brillante con las manos estiradas, y el sonido opaco con las manos huecas. También podemos conseguir diferentes intensidades según percutamos con todos los dedos en la palma contraria, con tres, con dos o con uno.
– Rodillas o muslos: Las manos (juntas o alternadas) percuten sobre los muslos o rodillas en posición de pie o sentados. Esta práctica sirve de iniciación a los instrumentos de placa y a los bongoes si se percuten sentados. Podemos cruzar las manos percutiendo al mismo tiempo o en forma alternada.
– Pies (pisada): Se realiza de pie o sentados con un pie o los dos juntos y alternados. Podemos introducir variedad con las puntas y los talones.
Para la escritura de estos instrumentos utilizamos un tetragrama con la indicación del compás correspondiente y en cada una de sus líneas representaremos el ritmo de un instrumento por orden de arriba hacia abajo en el eje corporal. Si la plica va hacia arriba indica que ha de realizarse la percusión con la extremidad derecha y en caso contrario, si va hacia abajo, con la extremidad izquierda. Si utilizamos ambas extremidades de forma simultánea, utilizaremos doble plica excepto en las palmas (que siempre se tocan juntas) que nos bastará la plica hacia arriba.
Grupo Mayumana
¿De dónde provienen los Villancicos?
Canciones como el popular burrito sabanero que promete llegar hasta Belén, campana sobre campana, los peces en el río, entre otras que hablan sobre el nacimiento de Jesús, suenan en más de una vivienda, o negocio por esta época. Estos cánticos hacen caer en cuenta de que la Navidad ha llegado y que el fin de año está a la vuelta de la esquina.
¿Pero de dónde se originaron estos cantos tan populares en diciembre? Los villancicos aparecieron entre los siglos XV y XVIII, en pleno renacimiento español, y empezaron a cantarse en España, Portugal; y posteriormente Latinoamérica y son formas musicales y poéticas, de origen popular.
Antiguamente eran considerados como profanos y con el tiempo se los incluyó en las eucaristías, así como en las tradicionales posadas y reuniones, por el significado de sus letras.
Aunque algunos aseguran que el compositor de los primeros villancicos fue el Marqués de Santillana, conocido como el primer poeta del siglo XV, por haber creado una serie de canciones para celebrar con sus tres hijos el misterio de la Navidad; el origen de estos pudo haber sido un poco antes.
Por el siglo V, los evangelizadores cristianos llevaban la buena nueva de Dios a los aldeanos y campesinos que no sabían leer, por lo que llamaron a estas canciones con el nombre de «Villanus». Con el tiempo, hasta llegar al siglo XIX se denominaron villancicos, por ser cantos que aluden exclusivamente al misterio de la Navidad.
Archivos históricos, señalan que el tema Puer natus est es considerado uno de los primeros villancicos de la historia, por su alusión a la Natividad de Cristo.
Discurso Leonard Cohen premio principe de Asturias 2011
En 2011 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Letras, el mismo que habían recibido Günter Grass, Amos Oz o Paul Auster. En su discurso en Oviedo, abordó esta doble condición: «Siempre he tenido sentimientos ambiguos sobre los premios de poesía. La poesía viene de un lugar que nadie controla y nadie conquista. Así que me siento un poco como un charlatán al aceptar un premio por una actividad que no domino». El nombre de Cohen sonó durante años para el Nobel de Literatura.
Muere Leonard Cohen a los 82 años
Leonard Cohen, cantautor y poeta canadiense que sedujo a varias generaciones con canciones como Suzanne o I’m your man, falleció este lunes a los 82 años, aunque hasta el jueves 10 su familia no dio el anuncio en su página de Facebook. «Con profunda tristeza informamos de que el legendario poeta, cantautor y artista Leonard Cohen ha fallecido. Hemos perdido a uno de los visionarios más prolíficos y reverenciados de la música.
Cohen siempre fue reconocido como poeta tanto como por su música. En 2011 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Letras, el mismo que habían recibido Günter Grass, Amos Oz o Paul Auster.
Bob Dylan, premio Nobel de Literatura 2016
Por primera vez en la historia del Nobel de Literatura, la gente no correrá a las librerías sino a las tiendas de discos. Cuando la secretaria de la Academia Sueca Sara Danius ha pronunciado el nombre, han retumbado todos los cimientos. Bob Dylan (1941, Duluth, Minnesota), premio Nobel de Literatura. La sorpresa en los mundos de las letras y la música solo puede ser comparable a la que seguro ha sido una legendaria, hipnótica, imbatible sonrisita pícara del galardonado al enterarse, perdido como siempre en su gira interminable alrededor del mundo, al margen del mito. Era el eterno aspirante, así como un recurrente chiste entre los más escépticos y, sobre todo, más ortodoxos. ¿Un músico, cuya única obra en prosa fue un fracaso, cosechando el mayor de los premios literarios? Imposible. Pero lo imposible –y vivir a contracorriente- es lo que mejor se le ha dado a este compositor que cambió como nadie el concepto de canción popular en el siglo XX, añadiendo una particular dimensión poética a la música cantada. Y tan importante como ese determinante hecho: su influencia, reconocida por los Beatles, los Rolling Stones, Bruce Springsteen y cualquier icono del rock y el pop que venga a la cabeza, no ha hecho más que crecer a medida que ha pasado el tiempo. Ahora, con este premio, y tras haber recibido antes el Pulitzer o el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, la onda expansiva da para otro siglo.